Linee guida di base di Coreografia per Ballet

Quando si decide di coreografare le proprie danze balletto, si ha completa libertà di espressione per la coreografia. E questo è come dovrebbe essere. Ma gli artisti di ogni genere hanno scoperto che fioriscono meglio quando volontariamente presentare alcune limitazioni. La serie di gesti di balletto, per esempio, è un "limite" che mette in qualche modo l'immaginazione di grandi coreografi di danza libera.

Le idee nelle seguenti sezioni, abbattuti da secoli di grande coreografia, si danno un quadro di riferimento per la vostra libertà, un veicolo per la propria visione artistica. Tutte le forme di espressione sono validi - ma queste idee possono aiutarti a iniziare con successo.

Trovare la propria ispirazione - musica o tema

Che rende coreografo desidera creare una particolare danza, in primo luogo? La maggior parte dei coreografi dicono che di solito sono ispirate da una delle due cose: la musica o il tema.

Quando si sente un certo pezzo di musica, stai spazzati via in un vortice estatico? Do colori e forme e movimenti si suggeriscono immediatamente a voi? Ti sei perso nel tempo e nello spazio? Se è così, sappiamo che un buon medico che può aiutare. Ma in mancanza di questo, il pezzo suona come un buon candidato per la coreografia.

Se c'è una regola di base della coreografia, è questo: I gesti dovrebbero in qualche modo riflettere la musica. Ciò che distingue i coreografi di successo a parte è che i loro gesti incarnano la musica in modo bello, come se ogni frase musicale era stato scritto solo per loro.

Un esempio maggior parte delle persone possono visualizzare è la danza della Fata Confetto da Lo schiaccianoci. Come celesta inizia a suonare i suoi toni tinkly, la ballerina balla agili, piccoli passi delicati, sembrava svolazzare sul palco. Anche se diversi coreografi possono aver impostato diverse fasi questa musica nel corso degli anni, quasi tutti hanno cercato di creare qualcosa di appropriato delicato.

Come si potrebbe sapere che nel mondo professionale, ogni singolo minuto della danza sul palco è il risultato di circa due ore di coreografia e prove. Ma hey, non lasciate che vi fermano.

Un'altra forma di ispirazione è la necessità di raccontare una storia. Storytelling è uno dei nostri passatempi più antichi, e la danza ha sempre tornare utile a tal fine. Esiste una certa storia chiamata a voi, solo bisogno di essere espresso in qualche modo? Allora perché non fare che la base per un ballo?

Quando raccontare una storia in ballo, prima di decidere se si desidera creare un semplice racconto dall'inizio alla fine, o qualcosa di più complesso.

Dire, per esempio, che il tema è la storia di Hansel e Gretel. Basta pensare a tutti i modi si potrebbe raccontare quella storia. Si potrebbe optare per l'approccio lineare, mostrando Hansel e Gretel vagando per la foresta, lasciando cadere il pangrattato, perdersi, accade in una casa di caramelle, e ottenere ingrassato. Oppure si potrebbe iniziare alla fine della storia, con i bambini che salta sul palco senza fiato a dirti quello che hanno appena vissuto.

Oppure, la tua danza potrebbe semplicemente concentrarsi su personaggio ad un certo punto in una storia. Come fa la strega cattiva sente quando i bambini cuocere viva? Forse poteva fare una danza interpretativa per farci sapere. Questa espressione di un istante nel tempo, a telescopio per mostrare il peso emotivo che contiene, è la base per il 99 per cento di tutte le poesie, arie d'opera e canzoni popolari - e funziona per la danza come bene.

Sapere come si desidera che la coreografia di guardare

Grandi coreografi parlano quasi sempre la loro "visione" del loro lavoro. Coreografi sono orgogliosi delle loro visioni e vi diranno su di loro fino a quando si chiede loro di fermarsi.

Letteralmente, coreografi creano un'immagine della danza nelle loro menti prima di attaccare il nocciolo della coreografia. Se o non si immagina che i passaggi effettivi in ​​un primo momento, si può immaginare il "look" generale del pezzo. Da lì, si può cominciare a scegliere i passi che meglio si adattano quella visione.

La visione può includere costumi, set, e progetti di illuminazione - anche se nel mondo del lavoro, i progettisti speciali sono assunti per rimpolpare i dettagli di questa parte della visione.

Lavorare da questa visione interna, coreografi poi scrivere le loro idee utilizzando la notazione danza - o semplicemente ballare da soli su videocassetta.

Lo sviluppo di un vocabolario per la danza

Lo stesso passo di base può essere danzato in molti modi diversi. Così quando la coreografia di un pezzo, si dispone di un numero quasi infinito di passi tra cui scegliere. Il vocabolario della danza si riferisce ai gesti particolari e movimenti che si sceglie di utilizzare - quelle che sembrano riflettere il proprio carattere e portare il vostro stile personale.

L'ordine in cui si mettono i passaggi è importante, troppo. I passaggi dovrebbero sembrano fluire da uno all'altro. Ad esempio, un arabesco guarda bene quando seguita da un Failli. Ma sembra male seguita da un backflip. Basta sentire queste cose.

Dopo aver iniziato a sperimentare con diverse sequenze, è molto probabile trovare alcuni che si sentono giusto per voi. Quando ciò accade, è possibile ripetere quelle sequenze ancora e ancora - creando un vocabolario che è possibile chiamare il proprio. George Balanchine, per esempio, era famoso per seguire un soffritto in arabesque con un jeté Questo era il suo marchio di fabbrica -. Così come Bob Fosse ha fatto un nome per se stesso con bombetta e trasformato in gambe (anche conosciuto come dita di piccione - pensare Cabaret) .

Usando il tuo spazio danza piena

Ecco un'altra regola utile per coreografare il proprio lavoro: utilizzare l'intero importo di spazio che è disponibile. Alla fine della danza, ogni area del palcoscenico avrebbe dovuto essere calpestato almeno una volta.

Si dovrebbe anche considerare l'utilizzo di aree non tradizionali - dove si sarebbe mai pensare di ballare. Scale, corridoi, ringhiere, e altri livelli di pavimentazione vengono in mente. (O pozzanghere - come Gene Kelly scoperto nel Singin 'in the Rain.) L'imprevisto è spesso dove il più ispirazione risiede.

Quando copre lo spazio, si consiglia di variare la forma della tua danza. Se si inizia con una mossa in diagonale; poi provare ad aggiungere un modello circolare in seguito. O viceversa. Allungare la vostra immaginazione - e tenere il pubblico sulle spine.

Terminare la danza come avete cominciato

Un modo per fare una danza sentire artisticamente tutto è a "chiudere il cerchio". E un modo per farlo è quello di inizio e fine il ballo con la stessa posa.

Una versione ancora più avanzata di questa tecnica è quello di terminare in un po "evoluto" versione della posizione di partenza. Ad esempio, se la danza è un duo, passare le parti alla fine, in modo che la donna finisce come l'uomo cominciò, e viceversa.

Questa tecnica offre la danza una sensazione di completamento, e può essere a volte molto acuto e in movimento. Chi lo sa - si può avere il pubblico in lacrime. In senso buono.